EXPOSICIÓN MIL CARAS 
CENTRO DE ARTE MODERNO DE TETUÁN, MARRUECOS
Inauguración 19 de diciembre 2013.
ORGANIZA: Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y Embajada de España en Marruecos y el Ministerio de la Cultura del Reino de Marruecos.
COLABORA: Instituto Cervantes de Tánger y Tetuán.
COMISARIA: Elena Fernández Manrique
ARTISTAS: Amina Benboutcha, Zoulikha Bouabdellah, Clara Carvajal, Safâa Erruas, María Gimeno y Mónica Ridruejo.

Mil CARAS es un proyecto promovido por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y la Embajada de España en Marruecos en colaboración con el Ministerio de la Cultura del Reino de Marruecos a través del Centro de Arte Moderno de Tetuán. Se trata de un encuentro entre un grupo de artistas marroquíes y españolas que pretende servir como plataforma de intercambio de ideas y experiencias y ser, en definitiva, un puente más de unión entre nuestras dos culturas tan cercanas.

Mil Caras es la primera exposición temporal que se organiza en el Centro de Arte Moderno de Tetuán después de su reciente inauguración el 20 de noviembre de 2013.

Vista de la instalación en el Centro de Arte Moderno de Tetuán

Vista de la instalación en el Centro de Arte Moderno de Tetuán

La vocación del Centro es mostrar la memoria común cultural de Marruecos y España y es dentro de esta línea de colaboración donde se enmarca esta exposición.

Mil Caras es ese juego de miradas que se establece entre dos individuos que se miran y se reflejan el uno en el otro; es ese momento de encuentro donde surge la complicidad.

Vista de la instalación en el Centro de Arte Moderno de Tetuán

Vista de la instalación en el Centro de Arte Moderno de Tetuán

Uno de los objetivos de este proyecto es poner de manifiesto el poder del arte y la cultura como vehículos de comunicación y entendimiento. Nada une más que un recuerdo y una emoción compartidos. Y esta emoción surge muchas veces en la contemplación de una obra de arte.

Vista de la instalación en el Centro de Arte Moderno de Tetuán

Vista de la instalación en el Centro de Arte Moderno de Tetuán

Actualmente vivimos momentos complejos y es precisamente en situaciones como esta cuando el talento se desarrolla con más entusiasmo. La creatividad se aviva en tiempos decisivos y los artistas y pensadores, que son uno de los motores más importantes de progreso, se convierten en protagonistas aportando ideas y abriendo caminos.

Safâa Erruas ha creado específicamente para esta ocasión el majestuoso díptico Lison compuesto por dos piezas de madera blanca. El uso de las agujas y los hilos de aluminio en su superficie perturban la inmovilidad del blanco, las agujas se clavan en la madera, hiriéndola y dotándola de carácter e identidad. Lison es una palabra inventada, una metáfora para hablar de vínculos.

Safâa Erruas. Lison

Safâa Erruas, Lison.

Amina Benboutcha en su obra Forteresse persiste en esta idea de herir el soporte con materiales cortantes. La imagen es un corazón gigante formado por trozos de vidrio afilados que lo convierten en una fortaleza inexpugnable.

Amina Benboutcha, Forteresse

Amina Benboutcha, Forteresse

Zoulikha Bouabdellah en su gran instalación Les Cheris nos habla también del amor, de las palabras del amor. Qué es el amor sino una emoción compartida. Y tantas veces malinterpretada. Bouabdellah ha estado expuesta a la influencia de numerosas culturas, nació en Moscú de familia argelina, se crió en Francia y actualmente vive en Marruecos. Estas experiencias han hecho de ella un ser abierto y tolerante. En su vídeo Perfection Takes Time nos habla precisamente de ello, de cómo la vida es un camino de entendimiento y perfección.

Zoulikha Bouabdellah, Perfection Takes Time

Zoulikha Bouabdellah, Perfection Takes Time

Clara Carvajal y María Gimeno, al igual que Safâa Erruas, han creado una pieza específicamente para Mil Caras y que se expondrá al público por primera vez. Se trata de la instalación de vídeo Sauce Tomate. Las artistas realizan una cata a ciegas de varias salsas de tomate cuya elaboración han solicitado previamente a amigos. Al emitir su opinión sobre el sabor de cada salsa las creadoras aluden a los juicios que emitimos constantemente sobre las cosas y las personas que nos rodean. Tantas veces juzgamos a ciegas.

Clara Carvajal y María Gimeno, Sauce Tomate

Clara Carvajal y María Gimeno, Sauce Tomate

Mónica Ridruejo ahonda en su identidad como mujer mediterránea. Las fotografías que presenta en Mil Caras aluden a las redes utilizadas por los pescadores mediterráneos, de una orilla o de otra. Norte, sur, este y oeste se unen por una cultura milenaria común que ha sido cuna de numerosas civilizaciones y que nos sigue uniendo como individuos y como grupo.

Mil Caras nace con la intención de perdurar en el tiempo, en las distintas ediciones se irán incorporando más artistas de los dos sexos y de diversas disciplinas. Esperamos que  edición tras edición consiga estimular nuestra imaginación y ayudarnos a llegar a ser los que somos.

Elena Fernández Manrique,

Madrid, noviembre 2013.

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Arte Contemporáneo y Decoración Inteligente

Por Elena Fernández Manrique

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Nos encontramos en A Cero-IN con Laura Alarcó y Santiago Picatoste, uno de los artistas que colaboran con el estudio y del que se ha presentado una selección de sus últimos lienzos y esculturas en este espacio.

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Santiago es un creador viajado y experimentado, con una larga trayectoria y representado por varias galerías de arte internacionales. Con él intercambiamos puntos de vista sobre arte contemporáneo y decoración.

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L. A. En Acero-IN acercamos el arte contemporáneo a nuestro concepto de interiorismo, como un objeto más dentro de un espacio habitable. La obra de arte ha de encontrar su propio lugar dentro del ambiente de la vivienda y convivir con el mobiliario y las demás piezas de decoración. A veces una escultura o un cuadro ayudan también al arquitecto a organizar las zonas interiores y darles carácter.

S. P. Hay que poner la palabra decoración en su sitio. Para un artista el interiorismo es importantísimo. Cuando alguien viene al showroom de A Cero, puede disfrutar de la arquitectura y el diseño y tener una experiencia total donde cabe también el arte. El cliente recibe varios estímulos a la vez.

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L.A. ¿Te asusta la etiqueta de artista comercial?

S. P. No tengo miedo a ser comercial, trabajo con la belleza, con los colores, los materiales. Si alguien me dice que este planteamiento es comercial creo que se quedaría sólo en la superficie. Me interesa que el cliente entienda la obra de arte dentro del espacio y vea que pueda funcionar, ese es el objetivo.

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E.F. Muy pocos creadores conocen la fórmula de lo que es comercial pero yo creo que el mayor éxito para un artista es llegar al público y vender su obra. Es importante que el cliente entienda la obra de arte en un contexto integrado, no de una manera aislada. Además hay una parte muy bonita para los artistas que es hacer obras por encargo para espacios determinados.

S.P. Cuando se crea una obra para un espacio y el artista trabaja con libertad el resultado suele ser redondo. De hecho la arquitectura inteligente parte de la integración en un entorno.

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E. F. ¿Qué te transmite la línea de arquitectura de A-Cero?

S. P. La arquitectura me interesa muchísimo y A-Cero es un punto de referencia en la arquitectura española. Es el Ferrari de la arquitectura,  de líneas muy potentes, del siglo XX!, me gusta mucho cómo juega con las formas, ofreciendo unos espacios muy bien definidos,  y el uso del blanco y de los materiales.

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L.A. Joaquín y Rafael intentan hacer lo que les gusta y buscan la inspiración también en el arte. Uno de sus artistas favoritos es Palazuelo. Aunque siempre puntualizan que la arquitectura se diferencia del arte en que tiene una función práctica, la de habitar.

S.P. Una de mis primeras fuentes de inspiración fueron los juegos de construcción, el tente, el lego, en los que con la superposición de varios elementos se creaba uno nuevo. También me encanta alguien como Yves Saint Laurent que decía cómo ha de ser la moda. Esa es la labor de un artista, de un arquitecto, de un creador en general. Joaquín dice cómo debe ser la arquitectura, domina los elementos y disfruta y se nota en el resultado. Además tiene una gran capacidad para comunicar y eso, hoy en día, es fundamental, comunicar y conectar con tu público.

L. A. Respecto a los materiales que utilizas, ¿por qué te gusta el metacrilato y la superficie tan plana? El trazo que utilizas, tan gestual, se asocia a un tipo de obra con más textura.

S.P. Estoy trabajando alrededor de la idea de la cristalización de la pintura, detener el gesto. Como cuando en un laboratorio ponen una gota de sangre entre dos cristales para analizarlo. Pretendo detener el tiempo. Siempre me ha encantado la alquimia de los elementos.

En arte no importa lo que hagas sino cómo lo representas porque está todo inventado. El Arte Contemporáneo lo que hace es revisar la historia y presentarla de otra manera, es como la cocina contemporánea, los ingredientes son los mismos pero las mezclas son nuevas. Y por qué vamos a privarnos de nuevos estímulos, el ser humano los necesita siempre.

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E. F. Santiago, tu tienes una teoría muy interesante sobre la naturaleza y la urbe que reflejas en tus esculturas situadas en lugares públicos.

S.P. Yo soy de una isla, de Mallorca, y por lo tanto siempre he estado en contacto con la naturaleza pero al venir a Madrid y más adelante vivir en Nueva York,  empecé a reflexionar sobre la supervivencia de la naturaleza en los entornos urbanos.

Mis esculturas son como grandes estructuras que simulan edificios y las flores salen de ellas. En las ciudades las zonas verdes están acotadas. Me hace mucha gracia que el uso de los espacios urbanos esté tan definido, es como si te dijeran: “zona verde, aquí puede usted respirar”. Yo quería centrarme en eso, no voy de ecologista pero quiero llamar la atención sobre esa manera de entender el urbanismo. Veo mis esculturas urbanas como tótems, símbolos, puntos de referencia en la ciudad, también de encuentro y reflexión. Como árboles de acero.

E.F. ¿En qué momento de tu carrera estás, hacia donde diriges tus pasos?

S. P. En los últimos años había olvidado la pasión y, lo que es más importante, la intuición. Al final es una carrera para acercarte a tu intuición. Estuve viendo a un coach durante un tiempo para que me ayudara a dirigir mejor mis energías y organizar mis metas. En la primera sesión me preguntó adonde quería llegar, y se lo expliqué, entonces me dijo “¿y qué piensas hacer para conseguirlo? Y yo pensé para mí, “esto debería decírmelo él”, pero luego lo entendí. Comprendí que para ir de la A a la B el camino lo trazas tu mismo.

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Madrid, Octubre 2013.

Catalina Bárcena, fotografía de estudio.

© Archivo Catalina y Gregorio Martínez Sierra, Madrid.


EFM Art Consulting & Projects. Asesores de Arte de los herederos de Catalina y Gregorio Martínez Sierra.

Tenemos la satisfacción de contar entre nuestros clientes a los herederos de Catalina Bárcena y Gregorio Martínez Sierra, el mayor empresario teatral español de los años veinte y treinta.

Dentro de las acciones que hemos diseñado para la optimización y mejor rendimiento de la colección tomamos la decisión de sacar a subasta internacional en Christie’s Londres, una selección de algo más de treinta modelos de alta costura y teatro que pertenecieron a la diva y que fueron en su mayoría diseñados por su modista de cabecera, la mítica Jeanne Lanvin.

La subasta fue todo un éxito dada la calidad y originalidad de las piezas, al que contribuyó la gran labor de investigación llevada a cabo por Patricia Frost y su equipo desde Christie’s Londres.

La colección de vestuario de Catalina Bárcena había estado en depósito durante diez años en el Museo del Teatro de Almagro por voluntad de los herederos, quienes, al no llegar a un nuevo acuerdo para prolongar el depósito de las piezas, optaron por su retirada al finalizar el plazo en junio de 2011.

Gracias a la subasta la colección ha sido expuesta a un público internacional especializado en alta costura vintage. Una de las satisfacciones ha sido que el Museo Victoria & Albert de Londres ha adquirido el lote 62, un delicado ejemplo de robe de style de Jeanne Lanvin en organza blanca.

La gran sorpresa de la subasta ha sido el récord marcado por el lote 67, Bergère Légère, un Lanvin de día de organza blanca y rosa que alcanzó la cifra de 63.788€ y que ha sido adquirido por una colección privada europea.

Ha sido muy satisfactorio contar también con el interés del Museo del Traje de Madrid que entró a pujar por varios de los vestidos y se hizo con el lote 71, un vestido de cocktail eau de nil, también de Lanvin que pasa así a formar parte de la colección de este museo.

Actualmente hemos abierto una línea de negociación con el Museo del Traje para la adquisición de más de setenta piezas de la colección, entre las que se encuentran importantes diseños de Jeanne Lanvin, además de diseños de Jeanne Paquin y otros modistas de la época. También alguna pieza de escena de las obras representadas con éxito por Catalina Bárcena.

Lorenzo Caprile, el gran couturier de la moda española actual, quiso incluir una de las piezas de la colección en su exposición Little Black Dress que ha tenido lugar durante los meses de noviembre y diciembre coincidiendo con la Feria Vintage de Modas Shopping de la que es comisario. Esta muestra dibujó un recorrido de la evolución del vestido de cocktail negro desde los años veinte hasta la actualidad e incluyó un Lanvin de la colección de Catalina que vino a sumarse a las otras piezas históricas exhibidas.

 

Vestidos Jeanne Lanvin

Robe de style de Jeanne Lanvin 1922 y Bergère Légère de Jeanne Lanvin 1923
Imágenes por cortesía del Archivo Lanvin, París.

Diseño Jeanne Lanvin años 30

Diseño Jeanne Lanvin años 30
Imagen por cortesía de Modas Shopping, Madrid


© Archivo Catalina y Gregorio Martínez Sierra, Madrid.

© Archivo Catalina y Gregorio Martínez Sierra, Madrid.